珍珠前言

珍珠前言 《未来.观》2025上海展闭幕了，同时也拉开了新一轮青年数字文化交流与共创的序幕。《未来.观》未来玩家实验室悄然启动，深挖数字消费需求和效果；《未来.观》数字创意人国际传播视频系列，将持续关注国际国内数字创意人的最新创想和成果。 无论是2024年的伦敦设计节，还是第二十四届上海国际艺术节，《未来.观》的使命之一就是集聚青春脑力，推动数字创意产业和创意人的健康发展，因此，关于数字创意的火花还将继续迸发。展期内的三场头脑风暴，分别就三种不同形态的数字创意趋势展开，在第一场《VR新秀汇》之后，又推出《触摸未来》和《创意叙事》两场。 回放精彩分享的同时，期待未来更多相聚。

主持人

陈妍

上海交大文创学院新闻与传播专业研三学生，曾赴伦敦金史密斯学院学习虚拟与增强现实。作为本次活动的主持人，她以轻松自由的播客式对话，串联起一场关于AI、脑机交互与艺术未来的深度交流。

马镱峻

获有上海交大文创学院新闻与传播专业及伦敦大学金史密斯学院虚拟现实专业双硕士学位，AI创业公司产品经理，数字创意者。曾参与组织《未来·观》2024伦敦展。

《触摸未来》分享嘉宾

徐础闻（Ash Xu）

伦敦某金融科技公司设计主管，英国皇家艺术学院毕业，自称“周末艺术家”。其作品《大脑中的宇宙》通过脑机接口将脑电波转化为数字艺术，在全球多地展览中引发关注，探索直观交互与未来观思辨。

大脑中的宇宙：用脑电波绘制星辰

——“我希望观众通过我的作品，探索自己的大脑，发现属于自己的星辰大海。”

徐础闻分享了其代表作《大脑中的宇宙》（Cosmic in the Brain）。他使用非侵入式脑机接口设备捕捉观众的脑电波，通过傅立叶分解等数学方法将脑电波拆分为伽马、阿尔法、贝塔等不同波段，这些波段对应着注意力、情绪等特征，最终被实时转化为一片动态、绚丽的个人专属星辰视觉图像。

作品已在沈阳庭院美术馆、伦敦设计节、伦敦Luminar画廊等多个展览中展出。观众反馈表明，该作品不仅能激发强烈的探索欲，更是一种能够让人放松、审视内心的沉浸式体验。

申佳君

浙江音乐学院音乐工程系专业教师，中国美术学院跨媒体艺术学院博士。研究方向为数字图像与声音的跨界融合，致力于探索AIGC在视觉与听觉艺术中的创新应用。

AI与声音景观：在数字中重建宋代遗韵

——“AI不是一键生成，而是一个需要反复调试的共创伙伴。”

申佳君老师展示了两个AIGC作品《宋檐逸梦》与《光之扉》。她通过AI生成具有宋代建筑美学特征的图像，并结合电子音乐与空间音响技术，营造出深邃的历史氛围感。她坦言，AI生成过程像是“暴力尝试”，需从数百张图像中筛选，但其中蕴含的不可预测性恰恰带来了新的艺术可能性。

她还分享了另一件作品《分支归宿》，通过采集自然数据驱动声音与光的变化，探讨了人工智能的不可预测性及其在艺术中的独特价值。

圆桌对谈：AI时代，艺术何为？

Q1: AI是否会消解艺术的情感与手工价值？

徐础闻：AI可以成为艺术与大众之间的中介，消除隔阂，但也需经历一个技术滥用的“震荡期”。他乐观地表示，艺术不会消失，只会随着社会与技术发展而演变。

申佳君：AI可能使艺术更偏向概念与思辨，而手工艺术则将回归情感与疗愈。她强调，AI的不可预测性正是其创造力的来源，我们应学会与之共处。

Q2: 高校艺术教育如何应对AI的冲击？

申佳君：AI与传统手作教育之间存在一定的“撕裂”，但这促使我们重新思考艺术教育的本质——是坚持劳作的情感链接，还是转向更高层次的思辨训练。

徐础闻：业界视角来看，技术迭代虽快，但保持学习与探索的心态是关键，高校教育在理论框架构建上依然具有不可替代的价值。

Q3: 脑机接口这类前沿技术，是否存在伦理与安全风险？

徐础闻：创作者必须在伦理与法律框架内进行创作。他计划在未来的展览中增加科普说明和风险声明，以打破观众与新科技之间的隔阂，建立信任。

作为整场对话的串讲人与总结者，主持人陈妍以一番富有洞见的总结收束全场：“最好的技术，是洞察人性的艺术。今晚我们见证了，脑机接口不再是冰冷的技术，而是探索自我、连接历史、表达情感的桥梁。愿每一位数字创意人都能手握技术之钥，去开启那个属于未来的、充满感知与思辨的新世界。”

《创意叙事》分享嘉宾

徐雨珊

毕业于于湖北美术学院。个人的创作思路是先基于兴趣，寻找那些会让我想要深入的创作素材和元素，再去选择与我创作内容相关的表现形式。在个人的创作观念里，我认为技术是决定一个作品的完成度和下限，但审美与创意决定上限。只有带着不断思考与探索的观念才能走得更长远。

从生态到数位：自然元素的幻化之旅

——“生态艺术在数字领域的变形演绎”

徐雨珊分享了其生态艺术实验影片《无声存在》，结合植物实拍与数字特效，展现自然元素在数字化下的变形，通过这种全新的视觉风格，作品探讨了人类与自然的关系。

李游

数字艺术家与策展人，格拉斯哥艺术学院严肃游戏与虚拟现实硕士。现任北师香港浸会大学游戏设计助理导师，主要研究方向为数字文化遗产游戏化。

格化：在秩序的边界中，打捞生活的形状

——“我们是否也可以用‘格’的方式来记录生活？”

创作者李游带来的作品《格化》，从“地方”概念延伸，以“格”重构现代生活。通过3D扫描日常路径，在Blender中拆解重组为视觉模块，将地理、行为、时间与情感四重边界，凝练为可阅读的“生活格子”。

韩景泽

毕业于英国皇家艺术学院，专注于公共艺术与数字媒体艺术领域，曾在多家设计工作室担任平面设计师与动态影像设计师，积累了丰富的实践经验。在创作过程中，他致力于将文化遗产、神话叙事等传统元素转化为数字艺术作品的叙事基础，通过跨媒介手法探讨传统与当代之间的对话与融合。目前，他的研究方向聚焦于将物理空间与3D艺术相结合，探索数字艺术在介入现实议题中的表现力与潜在影响力。

衔尾蛇：在吞噬与重生之间，看见文明的循环

——“用一个跨文化的符号，讲述一个属于所有人的寓言。”

以古老符号“衔尾蛇”构建跨文化寓言，讲述欲望、毁灭与循环重生。融合手绘质感与三维动画，在伦敦巨型公共屏幕上，引发对生态危机与生存方式的集体凝视。

孙李俊哲

中国美院硕士在读。中国计算机图形学大会学生会员。作品多涉及跨媒介跨学科、数字装置、交互设计等领域。首届中国数字艺术大展—“与AI一起进化”论坛邀请发言人。曾获第十五届全球华语科幻星云奖银奖等多个奖项。

卢海宁

数字艺术工作者，手作博主，丝网印刷爱好者。现居杭州，就读于中国美术学院创新设计学院。长期致力于风格化美术影像的创作，善于运用影像，装置，绘画，新媒体，文本等混合媒介进行艺术创作与视觉表达。

虚拟搅乱真实：匿名文化下的身份裂变

——“在虚幻的身份迷宫中迷失与挣扎”

孙李俊哲带来了其与卢海宁合作的互动装置艺术作品《变形》，聚焦匿名文化与身份虚无主义现象。观众可以通过旋钮波动，观看人物身份的转变和生活场景的播放，引发对身份变形和失真的思考。

圆桌对谈：AI时代的创意新进路

Q1: 虚拟现实（AR/VR/MR）相关领域的未来创意趋势？

徐雨珊：虚拟现实的核心由“虚拟”“现实”以及二者之间的“边界处理”构成。它始终以现实为基础，再通过不同技术手段对既有结构进行重新组织与叙事。至于虚与实如何交织、边界如何被弱化或凸显，则取决于创作者的学科背景与创作方法，是艺术家在创作中重新赋予的意义。

李游：创作的过程本身就在推动技术在各自领域中的延展。因此，虚拟现实作品并非单纯的技术展示，更承担着描绘未来蓝图的角色。作品能够激发观众对技术未来的想象、反思或警示，而创作者也应将这种唤起思考的责任视为自身工作的一部分。

韩景泽：当虚拟现实等技术在现实场景中逐渐普及后，观众的关注点便会从技术本身转向内容本身的吸引力。若作品无法激发情绪或形成记忆，就难以促使观众产生再次体验的意愿。因此，真正决定虚拟现实价值的始终是内容质量，它直接影响观众能否建立情感共鸣与持久记忆。

孙李俊哲：虚拟现实需将重点放在沉浸感与内容质量这两个最基本的要素上。当前不少作品过度突出技术与展示手段，却忽略了作品作为艺术表达所必须具备的内容价值。只有真正注重沉浸体验与内容表达，虚拟现实才能避免沦为单纯的技术噱头，并在更健康、可控的轨道上持续发展。

Q2: 中外高校相关专业如何应对这些发展趋势，如何进行教学创新？

徐雨珊：数字艺术的技术手段日新月异，学习软件操作固然重要，但教学的核心仍应回到创作意图本身。学生在掌握工具之前，更需要先明确自己的艺术方向与视觉目标，再选择最合适的技术路径完成呈现。

李游：高校教育须从“内容创新”与“形式创新”同时入手。一方面，学校通过邀请业界专家举办工作坊，将最新技术与工作流及时带入课堂，帮助学生应对不断加速的技术变化。另一方面，也应积极引入 AI，例如针对课程开发专属教学语言模型，以对话式提问方式引导学生，从而缓解教师负担，同时使学生更高效地完善作品并深化思考。

韩景泽：高校教育应为学生创造更多课堂之外的学习机会，通过线下交流、讲座与项目分享，让学生在课堂之外接触最前沿的技术与实践。与行业直接对接的学习方式，比单纯的理论教学更能帮助学生理解数字艺术的实际应用与发展方向，使学习能够与真实的专业生态建立联系。

孙李俊哲：高校教育应在艺术相关专业中进一步扩大创作自由度，避免过度规训对学生探索的限制。期待院校能够为学生提供更开放的创作空间，让学生在探索新技术和新表达时拥有更开放的环境，从而确保艺术观念能够真正得以贯彻与深化。

作为主持人，马镱峻的引导与总结有效推动了现场观点的深入展开。他指出，数字创意不应停留在技术，而应在反复实验中找到人与技术、人与自然、真实与虚拟之间新的关系。当他谈到创作自由度时，更是强调艺术本身从不依循固定规则，真正的价值在于如何让观念得以贯彻、让作品能够站得住。他的这些点评，为现场创作者提供了一个更深的启发——数字创意的核心不是“用技术做东西”，而是借助技术理解世界、回应时代，并以作品建立新的思考方式。

本文为嘉宾观点，不代表学院立场